miércoles, 11 de julio de 2018

9 de Julio "Día de la Independencia"

Acto de celebración a cargo de los profesores Patricio Subirol, Matías Ruiz Barlett y Ana Suárez.
A continuación palabras alusivas del Prof. Patricio Subirol (Lengua y Literatura).
Discurso 9 de julio
Hoy estamos reunidos para celebrar un nuevo aniversario de la Declaración de Independencia de nuestro país ocurrida en la ciudad de San Miguel de Tucumán el 9 de Julio de 1816. Esta declaración es una parte fundamental de un proceso iniciado seis años antes cuando se constituye en Buenos Aires nuestro primer gobierno patrio. A partir de allí, decidimos emprender un camino difícil con marchas y contramarchas, luces y sombras, éxitos y fracasos, victorias y derrotas, en suma, altibajos hacia una definitiva Independencia de nuestro territorio.
Entonces, recordar el 9 de julio es recordar la determinación de los representantes de las Provincias Unidas que priorizaron los intereses nacionales y americanos por sobre los intereses individuales y extranjeros esquivando dificultades y riesgos.
Es recordar un congreso, presidido por Francisco Narciso de Laprida, que se reúne acechado por una inminente invasión española que amenaza reconquistar los territorios americanos. Desde este rincón apartado de los grandes centros de poder, una asamblea pretende tratar el tan retrasado tema de la independencia y termina proclamando a nuestro naciente país “Independiente del Rey Fernando VII, sus sucesores y la metrópoli y de toda dominación extranjera”.
También, recordar el 9 de julio es recordar la voluntad de un pueblo anónimo que supo sumarse al proceso independentista con el deseo de romper sus ataduras y reclamar su derecho a participar en la construcción de su propio destino, derecho a ser una Nación soberana levantando ideales de Libertad, Igualdad, Justicia, Democracia y Dignidad. Ideales que siguen en pie a pesar de los desencuentros, las luchas internas, las crisis económicas, las interrupciones al orden constitucional y los problemas que todos los días golpean a muchos habitantes de nuestra Patria.
A 202 años de estos acontecimientos, desde nuestro presente, me gustaría recuperar las palabras del escritor Eduardo Galeano acerca de la utopía: “Ella está en el horizonte. Yo me acerco dos pasos y ella se aleja dos pasos. Camino diez pasos y el horizonte se corre diez pasos más allá. Por mucho que yo camine, nunca la alcanzaré. ¿Para qué sirve la utopía? Para eso sirve, para caminar”.
Como la utopía, nuestra independencia es mucho más que una idea abstracta y esquiva que costó seis años en plasmarse en papel. Es una construcción diaria, es un tesoro que no todos los pueblos del mundo pueden ejercer y, por eso, hoy nos sigue resonando la pregunta: ¿para qué sirve la Independencia? Para caminar. Para caminar juntos. Para reconocernos. Porque la Independencia es creer en nuestro país, en nuestras capacidades y en nosotros mismos. Es reconocernos responsables y protagonistas ya que la Independencia la hacemos y mantenemos entre todos. Reafirmemos la voluntad de ser constructores de una Patria libre y justa como la que soñaron aquellos diputados que sentaron las bases para hacer de este suelo un territorio independiente.
Muchas gracias.

Compartimos con la comunidad fotos de la obra original a cargo del profesor Matías Ruiz Barlett, donde participaron los alumnos de 3er. Año.




A continuación el video sobre la creación colectiva del mural a cargo de la profesora Ana Suárez donde participaron alumnos de 1er. 2do. Y 4to. Año.

lunes, 2 de julio de 2018

Art Nouveau & Art Deco - Artes Visuales 4to. Año

Dentro de la unidad nro. 1 se trabajó sobre el concepto de Modernismo: Art Nouveau & Art Deco.
Corriente artística de finales del siglo XIX y comienzos del XX.
Observamos el film Metrópolis de Fritz Lang (1927).
A partir de toda la información,  se trabajó bajo la técnica de stop motion (animación cuadro a cuadro) .

Ficha técnica:
IDEA: transición de una flor art nouveau a una flor art deco.
TÉCNICA: dibujo acromático.
PRESENTACIÓN: stop motion musicalizado.

Compartimos los siguientes trabajos:





viernes, 27 de abril de 2018

Cubismo & Futurismo - 4to. Año / Artes Visuales


Trabajo realizado por alumnos de 4to. Año dentro de la asignatura Artes Visuales.
Se realizó un estudio y análisis de obra dentro de los movimientos Cubista (sintético - analítico) y su relación con el Futurismo, ambas corrientes de principios de Siglo XX.
Seleccionaron una imagen fotográfica de su autoría; dibujaron y pintaron con acrílico sobre papel. Luego montaron sobre cartón ambos diseños (sintético - analítico) y conformaron el objeto en 3D para ser visto en "movimiento" (desde el observador), eje temático del Futurismo.

domingo, 11 de marzo de 2018

sábado, 10 de marzo de 2018

Taller de Arte y Diseño / TP 9 " Lengua - tipografía y diseño"

Tomar una imagen fotográfica (digital) en blanco, negro y escalas de grises.

Investigar sobre lettering (entrar al link directo e investigar sobre las imágenes y conceptos). Observar la obra de Mono Grinbaum (click sobre el nombre).

Tema: Autorretrato.
Soporte: Imprimir la fotografía en B/N, sobre hoja A4 tamaño, de imagen aproximado 18 x 25 cm.
Técnica: lettering - letras dibujadas, etc.
Presentación: Fotografía trabajada  y pegada en hoja N°5 (con marco y etiqueta). Consigna al dorso.

Materiales: celular / cámara digita, impresión en papel; adhesivo vinílico; hoja N°5, hoja A4, microfibra / marcador negro / blanco y etiqueta.

Taller de Arte y Diseño / TP 8 " Programas visuales de identificación"

¿Qué es un afiche? El afiche es un material gráfico cuyo objetivo es transmitir un mensaje. Esta representación visual está integrada por imágenes y textos breves que pretenden captar la atención del púbico e inducirlo a adoptar conductas sugeridas por el mensaje.

Sus características son las siguientes:

- Es llamativo.
- Se debe entender a primera vista.
- Comunica un mensaje de interés.
- Se graba en la memoria.



Pasos para elaborar un afiche:

1.- Determina el objetivo de tu afiche, qué es lo que quieres comunicar.

2.- Debes tener en cuenta a quiénes va dirigido.

3.- Crea un slogan: El slogan es una frase publicitaria corta y contundente que resume el beneficio o las cualidades de la marca. Esta frase dbe ser evocada para asociarla con el producto, por lo tanto, debe ser fácil de percibir, de comprender, de recordar y repetir.

4.- Incorpora una imagen: Es de gran importancia, pues el mensaje a través de la imagen adquiere un contacto inmediato con el receptor sin mayor reflexión sobre el contenido, y puede quedar bastante tiempo en la memoria de las personas.

5.- Busca tipografías atractivas: Debes poder leerlas a distancia. Su colocación y originalidad son importantes.

6.- Incluye los datos del producto promocionado o de la invitación que se hace, por ejemplo lugar, día, hora etc.

7.- La marca o logotipo: siempre debe estar presente en el afiche.

Taller de Arte y Diseño / TP 7 "El diseño, sistema de identificación"

Denominamos “Logo” a TODO elemento gráfico que identifica a una entidad ya sea pública o privada, lo que la distingue. Y este es un error que cometemos mercadólogos, publicistas, diseñadores, comunicólogos (y sociedad en general), pero como profesionales y “expertos en el tema” debemos hablar claro.
Para empezar “logo” es apócope (Supresión de uno o varios fonemas o de una o más sílabas al final de una palabra) de Logotipo, como “Profe” de Profesor por mencionar un ejemplo. Bien es cierto que en ocasiones utilizamos la palabra “logo” por ser algo genérico, para tener una mejor comunicación con los clientes, o tener una mejor participación en buscadores.
Vamos al origen de la palabra Logotipo, está formada por logo que es: palabra; y typos es señal, marca. Entonces logotipo son representaciones únicamente con tipografías, como Facebook y Coca-Cola.

Isotipo:

La toda poderosa Wikipedia nos dice que; se refiere, a la parte generalmente icónica o más reconocible de la disposición espacial en diseño de una marca, ya sea corporativa, institucional o personal. (Identificamos la marca con sòlo ver este elemento) existen 6 tipos de isotipos:
Firma: Es una escritura gráfica o grafo manuscrito que representa el nombre y apellido, o título.
Inicial: Sólo la primera letra de la marca, representará a la misma en una síntesis de su nombre.
Sigla: Letra inicial usada como abreviatura (conservan su condición de lectura.)
Monograma: Dibujo compuesto por dos o más letras, generalmente las iniciales del nombre y el apellido de una persona, que se usa como abreviatura en sellos, marcas, etc.
Anagrama: (Del griego ἀνά -ana-, prefijo que significa “de vuelta”, y γράμμα -gramma-, “letra”) es una palabra o frase que resulta de la transposición de letras de otra palabra o frase. Aunque en marketing, el anagrama como parte de una marca, emplea letras o sílabas del nombre de la entidad que representa en forma “logotipada”. Es decir, en base a esas letras se crea una nueva palabra que se lee como tal, como: PEMEX
Pictograma: Utiliza imágenes o símbolos para mostrar datos para una rápida comprensión.

Ejemplos:

Isologotipo-Isologo:Es un identificador gráfico, se conforma por la unión de un símbolo gráfico y un estímulo textual representado con signos tipográficos. (Se podría decir que es la unión de un isotipo y un logotipo) sólo que estos se encuentran fundidos en un solo elemento.
Imagotipo: Al igual que el isologo es un identificador de la empresa, sòlo que este NO esta adherido a un texto,en pocas palabras una imagen con un texto pero separados (se pueden usar individualmente.)
Esto toma importancia al momento de registrar la imagen de marca, algo que se debe tener en cuenta es que los precios para registrar dependerán de los sectores donde quieras registrarla, así como el nivel de protección que le daremos. Hablemos claro, no es lo mismo si registramos un logotipo (sòlo serán las letras), cuando en realidad tenemos un Imagotipo.


Consigna TP 7 A / B
A/ Teniendo en cuenta los conceptos desarrollados anteriormente, generar un imagotipo personal e individual. 
Presentación: hoja N°5 . Materiales: pinturas varias.
B/ Diseñar un tríptico (folleto) "Cultura en Belgrano". Investigar sobre los lugares relacionados con la cultura (teatros, bibliotecas, museos, cines, centros culturales, galerías de arte, etc.). 
Presentación: Hoja A4. Interior y exterior. Realización: boceto a mano y original en PC.


Taller de Arte y Diseño / TP 6 " Movimientos y revoluciones"

Estéticas Contemporáneas

El término “vanguardia”: origen y definición.

Cuando nos sumergimos en un término tan amplio como el de “vanguardia” se hace necesario acotar su amplio ámbito de aplicación al propósito para el que la definimos. En este caso, la perspectiva histórica artística nos permite adentrarnos en el concepto de “vanguardia” desde su concepción como todo un conjunto de movimientos artísticos, o “ismos”, que surgen entre finales del siglo XIX y a lo largo del XX y XXI como reacción a un orden previo, una realidad establecida.

De todas las lecturas de la bibliografía y los textos artísticos originales que giran en torno a las vanguardias artísticas históricas, podríamos extraer varios comunes denominadores que permitan comprender de manera global el concepto:

Reacción: todo movimiento de vanguardia surge como un intento de lucha, de respuesta ante un paradigma o conjunto de paradigmas previamente establecidos de los que el artista rehúye. Por ejemplo, la Revolución Industrial fue uno de los condicionantes que propiciaron el nacimiento del futurismo.

Élite: la vanguardia nace gracias a un grupo minoritario, selecto y exclusivo, reaccionario, normalmente con uno o varios líderes o precursores. Estos grupúsculos son hijos de un contexto social que determina su afán de reacción contra el orden establecido. Uno de los hechos más importantes fue la publicación del Manifiesto Comunista en 1848, por Marx y Engels. Un movimiento político e ideológico e impulsado por el proletariado (minoría social), sirvió de inspiración para toda una serie de manifiestos posteriores que, en su dimensión artística, canalizaron en tono contundente de lucha, al igual que el comunista, nuevas actitudes formales, simbólicas e intelectuales ante el arte.

La Academia de Bellas Artes era detentora de estos criterios de valoración y reconocimiento artísticos. Los llamados Salones de París eran exposiciones de obras en las que se determinaba si estas cumplían o no toda una amalgama de reglas estructuradas y prácticamente estancas. Los primeros movimientos de vanguardia surgen a raíz de grupos de “rechazados”, como ellos se autodenominaron, que organizaron sus propios salones con el fin de que sus obras pudieran ser expuestas ante el público.

El primero de ellos fue el Salón de 1863, en el que se dio a conocer la figura de Manet con su obra "Desayuno sobre la hierba" y con el que se da origen al impresionismo.

La autonomía del arte.

Desde una óptica retrospectiva, el arte comienza a alcanzar autonomía en el siglo XIX. Desde la Edad Media hasta la Ilustración, el ser artístico no iba de la mano de la voluntad interna del artista, sino que estaba ligado a los círculos de poder que detentaban y ostentaban la cultura casi en todos sus ámbitos. Primaba más el significado de la obra que la sensibilidad del autor a la hora de plasmarla.

Por ejemplo, era más importante que una pintura o escultura enviase un mensaje religioso, representara a un rey o noble o recordara la moraleja de un pasaje mitológico, que la propia intención del artista y su mundo subjetivo a la hora de elaborarla.

El Romanticismo alemán, o Sturm und Drang (“tormenta e ímpetu”), contribuyó en gran medida a desarrollar esta autonomía del arte y la democratización del gusto. Para muchos teóricos alemanes, y otros de distintas nacionalidades que los siguieron, el producto artístico venía dado por la motivación personal y espontánea del artista que, impulsado por su genio interior, plasmaba su mundo interno en las obras que creaba. Algo muy alejado de las estrictas normas impuestas por la Academia de París.

Todas estas ideas estallarán definitivamente con el surgimiento de élites, como ya hemos citado, que reivindican esta autonomía del arte y, con ello, reclaman para el artista no sólo la voluntad de crear el objeto artístico, sino también la plena libertad en el uso de los materiales, la elección de la temática, las características formales como la composición, la perspectiva, el color, etcétera.

Clasificación de las vanguardias artísticas históricas.

La enorme cantidad de “ismos” que surgen a finales del siglo XIX y a lo largo del XX suelen superponerse en el tiempo.

La división en dos grupos de vanguardias suele ser la más aceptada, y se corresponden con dos “oleadas“, una que abarca de 1847 a 1945, aunque con diferentes matices según los autores, y una segunda que se desarrolla en la segunda mitad del siglo XX.

Oleadas impresionistas (algunos autores los eximen del grupo de las vanguardias, clasificándolo como un movimiento independiente):

· Impresionismo (1874): Manet, Degas, Renoir, Monet, Pizarro, Cézzane

· Neoimpresionismo o puntillismo (1884): Georges Seurat, Paul Signac

· Postimpresionismo (1910): Van Gogh, Gaugain, Toulouse-Lautrec

 Hasta el estallido de la I Guerra Mundial (1914):

· Fauvismo (1905): Henri Matisse, Gustave Moureau

· Expresionismo (1905): Ernst Ludwig Kirchner, Munch, Klee, Kandinski

· Cubismo (1907): Pablo Picasso, Georges Braque, Louis Marcoussis, Juan Gris

· Futurismo (1909): Filippo Tomasso Marinetti, Giacommo Balla, Gino Severini

 Durante la I Guerra Mundial (1914-1918), período de entreguerras (hasta 1936) y II Guerra Mundial (1936-45):

· Constructivismo (1913): grupo de De Stijl

· Dadaísmo (1916): Tristan Tzara, Marcel Duchamp, Georges Grosz

· Neoplasticismo (1917): Pierre Mondrian

 Segunda mitad del siglo XX:

– Tendencias informalistas y abstracción: expresionismo abstracto, pintura matérica, Nueva Escuela de París…

– Tendencias racionalistas: sobre todo en arquitectura (Mies van der Rohe, Le Corbusier, Walter Gropius, grupo de la Bauhaus), aunque surgen en diversas épocas y muchos desarrollan sus trabajos en períodos anteriores a la II Guerra Mundial, estas tendencias e influencias aún perviven en la actualidad.

– Tendencias de la nueva representación: Pop Art (Andy Warhol), Land Art (Robert Smithson, Christo…), Happening, Performance…

Consigna TP 6
Teniendo en cuenta lo detallado, realizar composiciones de una imagen evocando los movimientos seleccionados.
Materiales: hoja N°5, lápiz, pinturas (acrílicos, lápices, etc.)

viernes, 9 de marzo de 2018

Taller de Arte y Diseño / TP5 " Contexto bélico y arte "


Resultado de imagen para guernica

Obra: "Guernica", autor Picasso.






otro punto de vista;

INTERPRETACIÓN Y EXPLICACIÓN DE “EL GUERNICA” DE PICASSO.

El Guernica de Picasso es una obra que seguro que conoces o de la cual has oído a hablar, pero para que la entiendas y la conozcas profundamente te voy a explicar  en qué se basa y cada uno de sus personajes de manera sencilla.
Autor- Pablo Picasso (España)
Año- 1937
Estilo- Cubismo
Técnica-  Óleo sobre lienzo
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  • ¿Qué es Guernica? ¿Por qué se llama Guernica? Guernica es un pueblo situado en España el cual sufrió el bombardeo liderado por los alemanes y italianos el 26 de abril del mismo año de creación del cuadro, durante la Guerra Civil Española.
  • ¿Por qué fue bombardeado el pueblo de Guernica?  Tenemos varias tesis respecto a las razones por las que el pueblo fue bombardeado; la primera es la intención de los alemanes e italianos de destruir Guernica. Ésta primera tesis se basa en dos pruebas, la primera es la utilización de bombas incendiarias y explosivas cuya explicación según los defensores de esta tesis, era la destrucción de la ciudad.      La segunda prueba es que la utilización de estas bombas era derribar el puente de Guernica o impedir la retiración del ejército vasco, sin embargo el puente no fue alanzado, quedó intacto.                                  Otra de las ideas planteadas sobre el bombardeo es que Franco (dictador de España en dicho año) dio el visto bueno para que alemanes y italianos hicieran pruebas de sus bombas incendiarias y explosivas en el pueblo.

  • ¿Qué encontramos en el cuadro? El Guernica, con 3,5 metros de alto y 7,8 metros de ancho, es un cuadro simbólico donde encontramos figuras organizadas en triángulosdonde el vértice es la lámpara y como base el cuerpo del hombre muerto.guernica
Es  un cuadro pintado con blanco y diferentes tonos de negros y grises, técnica llamada grisalla 

  • ¿Y qué significado tienen los personajes de el Guernica? 
Encontramos seis seres humanos y tres animales.
Comenzando por la izquierda encontramos:
  1. El toro
toro2Símbolo muy utilizado por el pintor. Pintado por Picasso para representar la brutalidad y oscuridad. Su aspecto aterrorizado al ver con su mirada fija y escuchar con sus orejas puntiagudas la masacre representa el autorretrato del propio artista, el cual se siente horrorizado de la misma manera en la que quiso representarlo. Con esto quería conseguir que la humanidad se percatase de la barbarie que tuvo lugar.
2. Madre con su hijo asesinado en brazos. La encontramos a los pies del toro, protegida por él.
madreDe igual manera en la que la crucifixión representa el sufrimiento de el hombre, La Pieta representa el inexplicable dolor de una madre ante su hijo muerto. Y es en eso en lo que Picasso se basó para crear a la figura que ahora analizamos.
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A la izquierda la figura de El Guernica, de Picasso. A la derecha la figura de Miguel Ánguel, La Pieta.
Fíjate en la cabeza de el niño asesinado, ésta esta caída y sus ojos carecen de pupilas, por lo que asumimos que el pequeño ha fallecido. Ahora fíjate en la cabeza de la mujer, los ojos en forma de lágrima representan el dolor frente a la muerte antinatural de su hijo. Su lengua puntiaguda nos muestra un grito desgarrador, su cabeza colocada mirando hacia el cielo o quizás mirando al toro, representa la búsqueda de consuelo.

3. El soldado muerto.  En la base del triangulo principal antes mencionado, al cual encontramos decapitado y con el brazo mutilado.
guerrero2-1024x384Representa a todos aquellos que combaten por su ideología. En el brazo encontramos una espada rota junto a una flor, la cual representa la esperanza de un mundo nuevo y mejor.
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soldado
4. La paloma
paloma2-1024x384Casi invisible encontramos a ésta paloma simbolizando la paz rota. Y es que Picasso trazó simplemente su silueta para que adquiriera el mismo color que el fondo y de esta manera representar una paz ensuciada por los bombardeos.
Si observamos más de cerca la paloma, vemos que ésta está implorando el cese de la violencia.
5. El caballo.  Personaje central de la obra, debido al tamaño que ocupa y su posición
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Con una lanza atravesándolo mortalmente en el lomo con forma de rombo, Picasso intenta dar importancia al horror, dolor y brutalidad vividos en aquel momento.
Éste personaje simboliza a la gente, las victimas.
6. Las luces o lámparas. 
Encontramos dos luces en el cuadro, situados a lo alto de la pirámide antes mencionada. Por una parte encontramos la lámpara más grande, la cual representa un gran ojo que todo lo ve, entonces podríamos decir que simboliza Dios. La otra lámpara de queroseno más pequeña es utilizada por una mujer (la cual representa la República) para observar aterrorizada el horror del bombardeo y para mostrar la masacre que allí se llevó a cabo.
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7. Mujer sujetando la lámpara.
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Éste personaje representa la República, horrorizada por el desastre y iluminando el cuadro. Se lleva la mano al pecho como muestra de su horror y su estado de shock, un símbolo patriótico.
8. Mujer coja o arrodillada
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A la derecha del cuadro encontramos una mujer que, arrastrando una de sus piernas, parece huir del desastre. Representa el intento de escapar de los supervivientes del bombardeo.
mujerarrodillada
9. Hombre en llamas
A la derecha del cuadro encontramos también un hombre en llamas simbolizando todas aquellas personas victimas de las bombas incendiarias. Podemos observar cómo alza sus brazos implorando a las aviones que cesen el horror.
Éste personaje está inspirado en el cuadro de Goya “El tres de Mayo de 1808″ en Madrid
Tres de Mayo de 1808, Francisco de Goya.
Consigna TP5
Analizar conceptual y visualmente la obra "Guernica" de Pablo Picasso. A través de la apropiación generar un paralelo con la actualidad.
Técnica:  mixta (dibujo, pintura y collage).
Soporte: hoja A4